上海出品的舞剧《永不消逝的电波》自上演以来，深受到观众欢迎。如今拍摄成电影，受众面将更大，同时记录下两位主演被业界誉为“教科书式的表演”，这件事做得很及时很必要，满足了观众的期待。
从舞台到电影，有一个转换过程。尤其是舞剧，如何拍得好看，不失舞台魅力，又符合镜头语言的规律，大有讲究，也大有文章可做。总导演郑大圣，敢于打破舞剧原作叙事结构，将全剧最富深意的女子表演舞“渔光曲”移至全片开端，我想，这么做是要有底气的。这个底气来自于对电影叙事的熟稔和对舞剧原作的深入解析，其中包括对观众审美心理的精准把握。“渔光曲”质朴清新，年代特征、平民色彩尤为鲜明，平和舒缓中有一种内在的激荡，由此进入一段“光荣之城”的历史讲述，显得从容自然、格外点题。
风云激荡的年代、隐秘战线的生死较量、真伪难辨的人物身份，舞剧的成功在于运用了大量可视化语言，突破性地处理了“暗战剧”的叙事难点，它的戏剧性表达、悬念布设以及情感浓度、浪漫情致为制作成一部电影提供了很好的基础。影片调动各种手段来丰满视觉形象——黑白历史资料的凝重苍凉，实景拍摄的质朴真实，镜框式舞台的独特意蕴，乃至汗流浃背的演员在排练场最真切的情感流露，在影片中无缝衔接，贯穿起一个个生动的画面，放大了原作优点，增强了细节效果，电影优势发挥出重要作用。
交通员“小裁缝”牺牲，是剧情向纵深铺展的重要节点。影片以俯拍视角来表现他中弹倒卧在电车轨道中。这一场景，有典型的上海老城特点，也具有独特的构图美感。银幕上，十字交错的电车轨道渐渐变幻成殷红色，仿佛是年轻战士的热血汩汩流向城市四方，而遗落在轨道间的红围巾，则是对他的永久祭奠和怀念。这种视觉冲击力，在舞台上恐怕很难实现，而电影以镜头语言以及光影、色彩对比，完成了壮美的叙事。
舞剧中有一细节通过演出“海报”给人留下深刻印象：李侠和兰芬每次完成情报传递后，都会克制住紧张心情，挽着臂膀，佯装淡泊走进上海弄堂。对此，无论是“海报”还是舞台处理都相对空灵，一束光，一双背影，其余都交由观众去想象。电影则把镜头切换为实景拍摄——红砖砌的石库门门头、被露水打湿的石子路，甚至沿弄堂洗菜、卖鱼的平民，都是对旧时上海弄堂的精心还原。从中我们看到外部情境对人物心理的有效支撑，演员沉稳的步履、机警的眼神，有机而真切，成为最具饱和度的画面肌理。
双人舞通常是负责舞剧最写意浪漫的那部分。即便是“戏剧性”双人舞，也可以“撒开去”表现，不必拘泥。电影十分遵重舞剧艺术规律，以“虚拟场景”来展现舞剧中双人舞，技术很新，视觉效果观众也乐于接受——做旧的壁纸底色上，蔷薇花细致生动。随着双人舞展开，壁上蔷薇动画般伸展，富有灵性，既符合对上海老房的记忆，也极富艺术想象，把李侠、兰芬身居阁楼、情系彼此的一幕表现得真切唯美。在选择“实景”和“舞台”外，“虚拟”摄影以其新质要素为舞剧电影开拓了新境界，成就了这部影片独特的艺术语言。
观众曾以“大片既视感”来形容舞剧的多元化表达。当舞剧遇上电影，导演如何来处理原有的“大片感”，是对智慧的考验。“搜查裁缝铺”一场戏，舞台上运用的完全是电影手法：一帧帧画面倒流，用于表现李侠的意识流和对时间顺序的判断，清晰易懂。电影当然可以照搬，然而，用电影擅长的手法来拍电影，观众很可能无感。导演采取让位于舞台的做法，画面上是一个典型的舞台框，一切按舞台现场来展现，让观众了解，当今舞剧艺术是如何借鉴电影手法来丰富自身的表现力。这是对舞剧创新意识的尊重，而电影创意有更适合镜头语言的用武之地：电梯里敌我对峙的微妙眼神；险象环生中兰芬努力克制情绪的特写；发出最后一份电报，李侠潸然滚落的两行热泪……这些一一被镜头捕捉，形成了非常电影化的表达，细致而直观。李侠被捕前，夫妻相拥告别，李侠在兰芬肩头打下一串摩斯密码，这一细节只属于电影，不属于舞台。观众也许不能马上解出密码内容，但那份深意直抵人心。这一特写引发的“全城解码”始料不及，令人感怀；“爱你”和“永恒”成为这个时代对“光荣之城”的真情告白，而电影史上所有的经典镜头无不是意味深长的产物。
我始终认为，王佳俊、朱洁静两位舞剧演员是饰演李侠、兰芬的最佳人选，无论外形、气质都符合角色需要和观众想象。经过数百场演出，他们的表演也愈发成熟。“李侠”藏在眼镜片后的那双晶亮黑眸充满感情，又无时不流露出地下工作者特有的机敏、睿智和坚定。作为舞剧演员，这双会说话、能准确传达人物内心的眼睛，是可以给高分的，而通过大银幕表现出来，更能透视人物灵魂，增强情感张力。两位主演打破了舞剧表演和电影表演界限，让舞剧和电影的相融相生成为一种可能。
好看的“舞剧电影”很可能成为电影票房的一匹黑马。但不是所有的舞剧都需要拍成电影、都适合拍成电影。有些主打唯美、情节内核不是很坚挺的舞剧，我以为，择其精华，借助新技术，拍成能上天入海的小视频，也许更具传播力。（方家骏）
